Scare Campaign

Directores: Cameron y Colin Cairnes

Guionistas: Cameron y Colin Cairnes

País: Australia

Año: 2016

Duración: 76 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Terror / Slasher

Sinopsis: El programa de televisión sobre bromas Scare Campaign ha entretenido al público durante los últimos 5 años con su mezcla de cámara oculta y sustos de la vieja escuela. Pero a medida que entramos en una nueva era de la televisión online, los productores se enfrentan a una nueva y cruda web-serie que hace que su programa parezca anticuado. Es hora de subir la apuesta, pero ¿irá el equipo demasiado lejos esta vez, y estará a punto de gastar una broma a la persona equivocada?

Reparto / Personajes

Meegan Warner es Emma

Ian Meadows es Marcus

Olivia DeJonge es Abby

Josh Quong Tart es Rohan

Entre otros

NOTA: 4.9 / 10

(Revisar escala)

En los últimos años la televisión gradualmente se ha visto en la necesidad de buscar formatos de impacto que le permitan obtener mejores porcentajes de televidentes. Público es a publicidad y publicidad es a dinero. Es como llegamos a los realitys shows, un género imprescindible en la televisión del siglo XXI, popularizados en México por ahí del 2002 con Big Brother y poco antes con un formato que compete más a Scare campaign: las bromas, inocentes como “Te cache” en los noventas y otras más “pesadas” (aunque de mala calidad), como “Infarto”, o en EUA “Scare Tactics” y “Room 401”… Finalmente entretenimiento basura que a la fecha ha ido evolucionando con la tecnología –merma para la Tv–. Nada como el internet y el acceso “gratuito” a montones de vídeos virales y prank vídeos para ganar público, aunado al morbo, la Deep web y el mítico snuff, la delicia del screenager, y el tema para el segundo largometraje de los hermanos Cairnes.

Apegado al susto clásico del maquillaje y ambientación de día de brujas, el estilo del programa de Tv Scare Campaign, se ha visto apabullado por el sadismo de una nueva web-serie enfocada a la violencia explícita. Decididos a permanecer al aire, prepararán el que podría ser su último episodio en un ex centro psiquiátrico. Cual Leslie Vernon en Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernon, les observamos construyendo el susto perfecto que les hará permanecer en el gusto de la audiencia. Sin embargo. No hace falta mucho ingenio para saber que dentro de poco, salir del aire será la menor de sus preocupaciones.

La última película de los hermanos Cairnes es un slasher que se recrea en el humor de su propuesta, y en los cánones del género, ofreciendo un típico –seguro más de lo que pretendía ser– entretenimiento sangriento. Parodiando el cine slasher y brindando una tenue crítica a la sed de brutalidad del espectador de hoy día. Entretenida, sí, y es que su ventaja es que apenas si dura 1hr con 15min; también que tienen gratas dosis de gore (aunque me quede con ganas de más sangre), y su fotografía nos ayuda a apreciarle: la oscuridad no es tan oscura, podemos ver cada muerte claramente (muchas películas oscurecen de más la pantalla para encubrir sus carencias), el ritmo es constante y el montaje un acierto. 

¿Buena? La verdad es que no mucho, pero divierte. Tal vez sólo para fans del slasher o de los hermanos Cairnes. De hecho me parece inferior a 100 Bloody Acres (2012) –no sé por qué nunca la reseñé– en todo sentido: actuación, producción, argumento… pero reitero, su duración es su mejor atributo, y no sé si puede decir… la calidad de sus efectos especiales.

Me parece que estamos ante la película más comercial y predecible (cada giro se ve venir) por parte de los hermanos Cairnes. Guionistas y directores. 

Multipremiada en el Monster Fest 2015.

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The Hallow

Director: Corin Hardy

Guionistas: Corin Hardy, Felipe Marino y Tom De Ville

País: Irlanda

Año: 2015
Duración: 95 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Terror - Fantasía / Sobrenatural - Monstruos

Sinopsis: La historia de un conservacionista británico que es enviado a Irlanda, con su esposa e hijo recién nacido, para examinar un bosque situado según los lugareños sobre un terreno sagrado... y en donde, sin querer pero por supuesto, perturbará la paz de una horda de criaturas demoníacas.

Reparto / Personajes

Joseph Mawle es Adam
Bojana Novakovic es Clare
Michael McElhatton es Colm Donnelly
Michael Smiley es Garda Davey


NOTA: 5.8 / 10
(Ver escala)

The Hallow (originalmente titulada The Woods) es el debut del británico-irlandés Corin Hardy, quien describe su película como un cruce entre Straw Dogs (1971) de Sam Peckinpah y El Laberinto del Fauno (2006) de Guillermo del Toro. Lo cual es cierto en una escala mucho menor, quizá simplemente alusiones: la hostilidad local de la que el estudioso David Sumner fue víctima en Perros de Paja, sólo que en The Hallow, ésta responde a algo más justificable y obvio (no recibes con los brazos abiertos a quien “viene a destruir” los bosques que has respetado por siglos), y el corte mitológico de El laberinto del Fauno, Hardy se inspira en la mitología celtica ambientada en sus bosques encantados, habitados por hadas y duendes, distante a lo expuesto por Disney, de características más oscuras y perversas. Finalmente, Hardy suma a esto un notorio mensaje ecologista.

Además de suponer la muerte para un árbol y el dramatismo que conlleva al saberlos centenarios, las consecuencias ambientales por la desaparición de la masa forestal a raíz de la tala indiscriminada, ha sido un freno para las industrias, sirviéndose éstas de especialistas. En medio de esta polémica, Adam (Joseph Mawle, Benjen Stark en Game of Thrones) viaja con su familia a un bosque en Irlanda con la finalidad de evaluar los árboles y designar cuáles no deben ser talados y cuáles sí. Tras una introducción de 30 minutos The Hallow pone en escena a través de una sugerente fotografía barroca la típica historia de un matrimonio en primera instancia rechazado por la localidad y más tarde, y bien sabido ya, desamparados, a merced de las extrañas entidades que acechan desde el bosque. Una historia de esas en que sus personajes no deciden abandonar la casa/el lugar, hasta que es demasiado tarde.

Me parece buena idea la dirección que toma el guion, descartando en poco tiempo la influencia de los lugareños como el agente de hostilidad y declarando directamente: es una película de monstruos. Con reminiscencias a District 9 (2009) de Blomkamp (ya lo verás), Hardy se sumerge en el misterio y el terror de las profundidades de un bosque profanado, haciendo sus monstruos los protagonistas. [SPOILER] Aludiendo a La leyenda del Changeling, si no la conoces y aún no la has visto sugiero no indagues hasta que la veas. [SPOILER]

La atmósfera es lo mejor, y el diseño de los monstruos es bueno, aunque Hardy comete el error de mostrarles en su totalidad tantas veces que pierden fuerza. Y hablando de sus aspectos negativos… The Hallow “brilla” por su factura técnica y ese sabor a bosque céltico, pero adolece de enormes vacíos (la cuestión bacteriológica), varado así entre la magia y la ciencia (ambos quedan a medias), y un final muy flojo… y yo no sé si... ¿faltó un poco más de creatividad? pero me hace mucho ruido el parecido que ya comentaba con District 9.

Tras una buena recepción en Sundance 2015 The Hallow ha ganado algunos premios en el Toronto After Dark Film Festival, el Screamfest y los Empire Awards. Veamos si en el futuro Corin Hardy sorprende con mayor contundencia. 

Como dato, en el reparto también podemos ver brevemente a Michael McElhatton, que seguro recuerdas en Game of Thrones como Roose Bolton. Por último, si quieres conocer un poco más de este director te sugiero cheques Butterfly, un cortometraje de terror fantástico que estrenó en el 2003.

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I Am a Hero

Director: Shinsuke Sato
Guionistas: Kengo Hanazawa y Akiko Nogi
País: Japón
Año: 2015
Duración: 125 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Acción / Zombis - Manga

Sinopsis: Hideo es un dibujante con una vida miserable. Un día, su novia lo echa de casa y, al cabo de unas horas, se abalanza sobre él convertida en un agresivo zombie. Será la primera señal de que el mundo a su alrededor se desmorona.

Reparto / Personajes

Yô Ôizumi es Hideo Suzuki
Kasumi Arimura es Hiromi
Masami Nagasawa es Tsugumi
Hisashi Yoshizawa es Iura
Entre otros


NOTA: 8.5 / 10
(Ver escala)

Dentro de un mercado saturado y en una época en la que las películas de zombis son casi sólo para fanáticos de los zombis, I Am a Hero destaca sobre el resto, sin mayores pretensiones y sin ser perfecta, brindando una modesta crítica social, la empatía hacia un héroe bastante común –un punto de vista humano que evoca el mejor cine de G. A. Romero– y un encarnizado entramado de violencia japonesa, no sin antes ni después, habernos hecho sonreír con su ternura y humor pueril. Probablemente la mejor película del cineasta Shinsuke Sato, desde su debut versado en el live action; parte de su filmografía la componen The Princess Blade y Gantz, y actualmente trabaja en la nueva adaptación de Death Note y para el 2018 se espera la de Bleach. 

Basado en el manga homónimo de Kengo Hanazawa. La historia comienza con Hideo (en kanji se pronuncia Hero) Suzuki, un mangaka frustrado de 35 años, cuya vida está estancada en un agotador y mal pagado empleo, sueños incumplidos y relaciones insatisfactorias. Se ve a sí mismo como un personaje de apoyo de su propia vida. Para su desgracia, o mejor dicho beneplácito (casi todo perdedor se alegraría en el fondo de que el mundo se viniese abajo y más que Ser Alguien, su única preocupación fuese Sobrevivir), el día en que su novia le echa de casa converge con la propagación de una enfermedad que convierte a las personas en maníacos homicidas anclados al recuerdo de su miserable vida y de quienes su primer instinto es devorar al ser humano más próximo. Armado de una escopeta deportiva, y cargando el peso de su baja autoestima, cobardía y rectitud moral, será el momento en que deba ser un Héroe o sucumbir como el desdichado humano que es. Sin duda lo segundo es más fácil, pero ahora que la ciudad ha caído y alguien “depende” de él, una colegiala de nombre Hiromi, tal vez la única opción sea la primera.

Un filme dinámico, no sé qué tan fiel al manga (el cual aún no está terminado) que ve como prioridad enfocarse en el factor humano. Esto me ha encantado… yo sé que no tiene mucho que ver pero me sentí como si estuviese ante uno de los testimonios de la Guerra Mundial Z, de hecho esa atmósfera es la que impera, y no me refiero a la película con Brad Pitt sino a la novela de Max Brooks (historia oral de la guerra zombi), donde no hay héroes al estilo Rick Grimes (TWD) sino gente “demasiado normal” huyendo y combatiendo a su modo el apocalipsis. Sentí como si fuese ésta, un extracto de allá. Dejándose llevar, una vez iniciada la aventura, para retratar sin pedantería la codicia del ser humano en medio del caos y lo primitivo de sus actos (ingenuamente creyendo que quien tiene el arma más fuerte es el más fuerte). La traición de los tuyos, más temibles que los muertos vivientes. Y finalmente tus dudas y miedos. Ahora, si bien hablo de la humanidad de la película, es divertidísimo el espectáculo visual de sus zombis tomados del J-Horror, aquí llamados ZQN, su ferocidad epiléptica-espasmódica absorbidos por sí, una sed de sangre, pero atrapados en sus dolencias mundanas. Ya lo verás. 

Técnicamente fantástica, logra alejarse del Serie B para ofrecer un producto de mayor calidad. La interpretación eficaz de Yô Ôizumi (nunca lo había visto). Y un metraje un poco largo… pero tolerable a pesar de que en su parte media flaquea. Y antes de terminar de escribir esto debo comentar, no hay una renovación del género, pero si una revisión fresca que en pocas palabras califiqué como violenta y cándida, y al menos, mucho mejor que los otros títulos zombis que salieron ese 2015 (16 vi aprox. de los casi 40 filmes que hubieron). 

Una película que esperé por meses, casi un año, y no me defraudo. Ganadora en el Festival de Sitges 2015 al Premio del público y a Mejores efectos especiales. También, ya en el 2016, premiada en el Fantasporto y en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas. 

Habrá que checar el manga.

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The Treatment

De Behandeling

Director: Hans Herbots

Guionista: Carl Joos (Una novela de Mo Hayder)

País: Bélgica

Año: 2014
Duración: 130 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Policíaco - Secuestros - Thriller psicológico

Sinopsis: Una oscura sombra se cierne sobre la vida del detective Nick Cafmeyer. Desde los 9 años ha sido perseguido por la desaparición sin resolver de su hermano menor Bjorn, en ese entonces, basándose en el testimonio de Nick, su vecino Plettinckx, un pedófilo, fue interrogado y puesto en libertad. Tras estos años, Plettinckx todavía vive cerca de Nick y uno de sus placeres es atormentarle. Sin embargo, ha sabido lidiar las cosas, hasta ahora que aparece un nuevo crimen que aparenta estar conectado con el de su hermano.

NOTA: 8.6 / 10

(Revisar escala)

Décadas después del secuestro no resuelto de su hermano por un presunto pedófilo, Nick es un respetado detective que se ha negado a mudar de la propiedad que tan malos recuerdos le trae (instigados de vez en cuando por las burlas de un vecino, un sabido pedófilo y en otrora fuerte sospechoso del crimen). La historia comienza durante la investigación de un caso: un matrimonio es encadenado y torturado por días, al final el perpetrador desaparece con su hijo de 8 años. Pronto la búsqueda del niño llega a su fin: éste es hallado muerto en el bosque con signos notables de maltrato y abuso sexual. Las pesquisas por dar con el asesino llevarán a Nick a revivir el pasado de su hermano y no sólo ello, también a la posibilidad de saber la verdad. Sin embargo, antes hay prioridades, y otra familia peligra.

Oscura, fría e incómoda son adjetivos que pueden adjudicársele a la última película de Hans Herbots, premiada en la Sección Panorama del Festival de Sitges 2014 a Mejor Película. Un filme de suspenso policíaco desagradablemente efectivo; con un guion adaptado por Carl Joos (conocido por la aclamada Alabama Monroe (2012) de Felix Van Groeningen), Herbots lleva a la pantalla la novela homónima del británico Mo Hayder; título que gira entorno a una red clandestina de pederastia. No quiero darte una expectativa errónea… pero quizá podríamos “definirle” como un A serbian film (2010) desde el ojo de la serie de TV True Detective (2014).

Más común en series de corte policíaco de la televisión belga (The spiral en el 2012 y actualmente Vermist), Herbots ofrece un trabajo intrigante en su poco más de dos horas. Bien articulado, sin caer en redundancias. Bastante crudo, a pesar de no llegar a ser tan explícito consigue conmover nuestro estado de ánimo. El caso avanza con soltura, brindando las pistas necesarias, evitando caer en dramatismos excesivos y de una forma no tan contundente, pero aceptable, darle un motivo de sus actos al asesino y su retorcida psique, no sin antes retratar el cinismo del pederasta (no todos son enfermos mentales). Para finalmente estallar en un enérgico enfrentamiento y arrastrarse a puñetazos a un final… bastante sombrío.

Regularmente me agrada ver que la historia deje ver más la perspectiva del asesino, la astucia de un destacable agente no me llama tanto como la visión de la creatividad asesina, pero en esta ocasión es muy adecuada la perspectiva que tenemos, siempre acompañando a Nick. La música es sutil, evitando caer en clichés. El resto del apartado técnico muy aceptable.

Es delicado esto de la pederastia. Además de los daños que involucra es difícil conocer el número de casos debido a su hermetismo, tan poca gente dispuesta a admitirla… y reconocida sólo cuando es terriblemente notoria… en la vida real me acuerdo del sin número de eclesiásticos, o de Richard Huckle y su manual Pederastia y pobreza: una guía para el amante de niños… ¡En fin! Otro par de buenas películas desde un punto de vista diferente pero que manejan el mismo tema (abuso sexual – niños – asesinato) son Prisoners (2013) de Villeneuve y Mystic River (2003) de Clint Eastwood. Por si quieres checarlas.

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Something Must Break

Nånting Måste gå Sönder

Director: Ester Martin Bergsmark

Guionistas: Eli Levén y Ester Martin Bergsmark (una novela de Eli Levén)

País: Suecia

Año: 2014

Duración: 81 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Drama - Romance / Homosexualidad - Transexualidad

Sinopsis: Cuando Andreas y Sebastian se conocen, saben que están hechos el uno para el otro. En plena borrachera de amor, toman la ciudad vacía en verano: hurtos en el 7-Eleven, bailes en azoteas, baños furtivos, noches eufóricas. Pero a Andreas, heterosexual, le cuesta asumir su amor por Sebastian, pues en su frágil feminidad, no deja de ser un hombre. Y, como dice la canción de Joy Division que da título al film, algo debe romperse.

Personajes / Reparto

Saga Becker es Sebastian
Iggy Malmborg es Andreas
Shima Niavarani es Lea
Mattias Åhlén es Mattias
Entre otros


NOTA: 7.1 / 10
(Revisar escala)

Something Must Break es el primer largometraje del director transgénero Bergsmark, conocido por su documental Maggie in Wonderland (2008). Ésta, una película bastante juvenil acerca de la transexualida, la soledad, y la fragilidad de la feminidad. Seguramente un relato más intimo de lo que parece para los involucrados, ya que el director y los actores, todos ellos residentes en Estocolmo, en algún momento dudaron respecto a su orientación sexual (Bergsmark, Levén, y Becker, de hecho en la actualidad Becker se ha sometido a la cirugía de cambio de sexo). Entre otros, algunos festivales en donde ha sido galardonada es en el Internacional de Chicago y el de Guadalajara, y los Premios Guldbagge.

No obstante al permanente énfasis sobre la búsqueda de identidad sexual, aceptación propia y ante el mundo, Something Must Break es una historia romántica, que posee en su metraje, menos de hora y media, su mejor elemento; ya que es el tiempo suficiente para recrearnos en una historia mágica y carnal, exhibir las necesidades emocionales y su patetismo.

A través de una narración en off, esporádica según transcurre la película, conoceremos a Sebastián, un chico andrógino maltratado por una comunidad a la cual no se siente pertenecer. No hablamos de homosexualidad sino de la incomodidad hacía un cuerpo que no siente suyo: Sebastián no puede definirse como gay porque no se piensa hombre sino una mujer en un cuerpo de hombre. Encontrando desahogo en el mayor número de experiencias sexuales, no importándole mucho la calidad del hombre en cuestión, un escape a su soledad. Así conoce a Andreas quien, cual sexy caballero andante aparece salvando a su damisela en peligro, naciendo entre ellos una amistad y un amor platónico bordeando los límites del deseo. Andreas está enamorado y puede esforzarse pero no puede amar a un hombre; siendo el inicio de una dependencia emocional que pone en rivalidad al corazón con la mente. 

Más allá de la obvia similitud con otros filmes (The Danish Girl del 2015 o Laurence Anyways del 2012), Bergsmark consigue un filme atractivo sin demasiadas pretensiones, sí, menos complejo que aquel par (más el de Dolan) y carente en algunos aspectos, pero en general agradable. Encuentro muy adecuada la elección de Saga Becker, quien debuta como actriz/actor, solemos ver a heterosexuales en loables actuaciones (Melvil Poupaud, Eddie Redmayne, Jared Leto, etc.), ¿pero, por qué no elegir a verdaderos trans?, seguramente debe haber también buenos actores/actrices trans. El uso de la cámara es otro gran acierto, favoreciendo esos momentos de intimidad y nerviosismo, apuesta entre el cine de autor y el documental para brindarnos imágenes (la mayoría funcionan) de gran naturalidad y belleza aparentemente descuidada, cámara en mano, rostros fuera de cuadro, detalles, primeros planos. 

Breves dosis de humor (dulce) y tensión (de la mala, la violenta), y una constante atmósfera de melancolía e imposibilidad. Tal vez podrías pensar que no hay una verdadera introducción a los personajes: su historia y sus motivaciones, pero no hace falta, finalmente estamos contemplando una etapa de su vida, no su vida en sí. Lo que sí debo mencionar es que me hizo un poco de ruido el excesivo apetito sexual de Sebastián... y... me dejan en duda algunas escenas ¿son indispensables? ¿cuál es el fin? (por ejemplo: la orina). En cuanto a la música, bastante cursi aunque muy ad hoc (las líricas sobre todo), lo único que eche de menos fue más estridencia musical, y claro, que sonase Something Must Break de Joy Division… ¡no la esperes! será en vano. 

But then again I never loved a boy like you before

I never felt as beautiful, as when you told me I was beautiful

But then again I never fucked a boy like you before

Never had somebody I could fuck hardcore. Until I met you

Your cock and your words, fills me with joy

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Sobrevivir a la vida

Prezít svuj zivot (teorie a praxe)

Director: Jan Svankmajer
Guionista: Jan Svankmajer
País: República Checa
Año: 2010
Duración: 106 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Comedia - Fantasía / Surrealismo - Comedia negra

Sinopsis: Un hombre casado lleva una doble vida en sus sueños. Otro matrimonio, otro familia. Un mundo habitado por humanos con lengua de perro y cabezas de gallina. Epistemología, de la teoría a la praxis. 

Reparto / Personajes

Václav Helsus es Evzen y Milan
Klára Issová es Evzenie
Zuzana Krónerová es Milada
Daniela Bakerová es la psicologa Holubová
Entre otros


NOTA: 7 / 10
(Revisar escala)

Quinto y último largometraje de Svankmajer, cineasta checo con una carrera de más de 40 años, acérrimo exponente del surrealismo. En Sobrevivir a la vida (de la teoría a la praxis) encontramos un ensayo sobre la interpretación de los sueños y el inconsciente, basado en las teorías y discrepancias de Freud y Jung, colaboradores en vida y precursores del psicoanálisis. Una visión bastante superficial que en su esencia, más allá de ofrecer “una crítica” al psicoanálisis de estos autores o la mofa de sus postulados más celebrados en aquel entonces, brinda una reflexión acerca de la vida y los sueños, como su aliciente cuando ésta tarde o temprano consigue una estabilidad a costa del sacrificio de nuestros deseos. Una vida rutinaria de anhelos y recuerdos suprimidos,  y los sueños, los sueños el escape (gratuito) a cualquier crisis existencial, emocional, económica, etc. 

A pesar de recurrir frecuentemente a la convergencia de la vida real con el mundo de los sueños, estamos ante uno de sus filmes más… ¿sobrios? y menos extra-ordinarios, o sea más nítido. A través de un prólogo, no sé si llamarle narcisista… Jan se adelante a cualquier cosa que podamos pensar acerca de él y su película, restándole con sus propias palabras importancia y seriedad, como si fuese una justificación... lo hace bien, es simpático, se acepta su invitación a abordar su película con ligereza, parafraseo: sí, sí, habla del psicoanálisis pero a nadie quiero sorprender, y aunque no te vas a reír la verdad es que es sólo una comedia.  Y así, conocemos a Evzen, un hombre en la última etapa de su vida, anclado a la rutina laboral y a un matrimonio estéril, logrando ese deseo por vivir otro día sólo a través de los sueños, por volver a soñar. Un día, ante la ausencia del sueño, preocupado acude a una psicóloga: el problema no es que el mismo sueño sea recurrente, el problema es dejarlo de tener. Freud y Jung rivalizando desde la pared atestiguaran el progreso terapia con terapia del caso. Conceptos del inconsciente y represión son barajados, tocando una sexualidad freudiana polimórficamente perversa y el complejo de Edipo, en pro de conocer el significado del sueño de Evzen, su infancia gris y pasado de abandono.

Al igual que todas sus películas Jan mezcla la animación con la imagen real, aquí opta por el empleo de fotografías superpuestas. Escenarios monocromáticos y repetitivos vienen a completar el cuadro, increíblemente “lúcido”. Interesante propuesta, ¡pero!, en lo absoluto recomendable para un primer acercamiento al cine de Svankmajer… si es tu primera vez recurre mejor a la fantasía de Alice (1988) o Faust (1994). Prezít svuj zivot tiene sus momentos y algunos cuadros que perduran, pero también llega a ser redundante, y no tan visual como quisiéramos. 

El final enternecedor, creo que es muy bueno. La factura técnica: muy Svankmajer. Ya mencionaba sus elementos cuando escribí sobre Otesánek. Me encanta como puede hacer de la comida y las bocas algo tan repulsivo. En cuanto al perro, genial.

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Office

O Piseu

Director: Hong Won-Chan
Guionista: Yun-Jin Choi
País: Corea del Sur
Año: 2015
Duración: 110 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Trabajo/empleo

Sinopsis: Kim Byung-Guk, empleado de una gran empresa, mata a su familia y desaparece sin dejar rastro. El inspector Jong-Hun interroga a los colegas de Kim, pero estos permaneces evasivos, en particular Mirae, una estudiante en práctica que parece ocultar algo. El inspector descubre que las cámaras de vigilancia filmaron a Kim Byung-Guk al volver a la oficina justo después de la matanza… sin volver a salir. ¿Dónde se esconde? Cuando una verdadera psicosis se apodera de los empleados, la oficina es el escenario de misteriosos sucesos.

Reparto / Personajes

Ah-sung Ko es Lee Mi-Rye
Eui-sung Kim es Kim Sang-Gyu
Sung-woong Park es el detective Jong-Hoon
Entre otros


NOTA: 5.9 / 10

En La conquista de la felicidad de 1930 decía el filósofo y matemático Bertrand Russell: Un síntoma de que te acercas a una crisis nerviosa es creer que tu trabajo es tremendamente importante. Y en efecto, independiente al hecho de que ames u odies un trabajo, los excesos son perjudiciales. En Office a esto le sumamos una agobiante competencia, las exigencias del mercado y el bullying laboral.

Hong Won-Chan, coescritor de The Chaser (2008), hace su debut como director con una sátira empresarial dotada de intriga aunque un tanto desaprovechada...

Después de un mal día en el trabajo, Kim un gerente de ventas poco valorado por sus compañeros y jefe, decide simplemente asesinar a su familia con un martillo y desaparecer. Un evento que conducirá a la policía a la empresa donde trabajaba y nos introducirá en la psique de sus empleados, y en el ambiente de demanda física y mental que se vive ahí. Focalizando nuestra atención en Lee Mi-Rye, recién graduada y de procedencia humilde; con la llegada de una nueva interna que le supera en todo sentido (tanto académicamente como en belleza) ve en riesgo tras 5 meses de esfuerzo su oportunidad por conseguir una plaza. A mellar más su confianza, la marginación y los murmullos mal intencionados de sus compañeros. Difícil. Dejarte vencer o morir en el intento, quién sabe y consigues el éxito. Pero hay una tercera opción, posiblemente la jugada de Kim: matarlos a todos. 

El inicio es estupendo, pero con el paso del tiempo ni la investigación policial, ni la psicosis que podría causar la idea de que aquel excompañero ande suelto en el edificio, o la tacita rivalidad entre las protagonistas femeninas, son elementos que el guion consiga explotar. El resultado: efectivo pero olvidable. Sin embargo tiene aspectos positivos (incluyendo la desaprovechada historia) como la fotografía y la actuación, donde destaco a Ah-sung Ko, a quién recordarás en The Host (2006) o Snowpiercer (2013) con papeles más breves. 

Enlaces para su descarga en Asiateam.

Remember

Director: Atom Egoyan
Guionista: Benjamin August
País: Canadá
Año: 2015
Duración: 95 min. aprox.
Trailer
Sitio

Género / Tópico: Drama / Holocausto - Nazismo - Alzheimer - Venganza

Sinopsis: Zev Guttman es un superviviente del Holocausto que, a sus 90 años, padece alzheimer. Con una carta, una lista, y sus deteriorados recuerdos, decide buscar al criminal de guerra nazi responsable de la muerte de su familia en Auschwitz y vengarse.

Reparto / Personajes

Christopher Plummer es Zev Guttman

Martin Landau es Max Rosenbaum

Henry Czerny es Charles Guttman

Dean Norris es John Kurlander

Jürgen Prochnow es Rudy Kurlander #4

NOTA: 7.2 / 10

(Revisar escala)

Opiniones encontradas. En cuanto al tópico de Venganza observo en Remember una premisa fresca y curiosa, en ocasiones más próxima a la comedia (no sé hasta qué punto es algo voluntario), y en otras al drama de suspenso, en este referente me agrada compararla con la imagen de una tortuga cruzando una gran avenida transitada por autos a toda velocidad (es la tensión que me transmitió su anciano protagonista), y ello, aunque completamente inverosímil, una buena opción a ver. Me agradó mucho exceptuando el epílogo y su tortuosa música, ¡sin embargo! si eres conocedor del cine de Atom Egoyan probablemente prefieras omitir su visionado, ya que, no es más que, nuevamente, la confirmación de que los trabajos en la actualidad (¿del 2002 a la fecha?) del armenio-canadiense Egoyan distan mucho de los títulos que hicieron brillar su nombre. No está mal, pero en efecto, no hace más que recordarnos el “declive” de su carrera. Quizá esta vez el responsable sea Benjamin August quien debuta como guionista y es conocido por su labor como director de castings (Fear Factor).

Drama, suspenso, road movie. Conoceremos en Remember la historia de Zev, un viejo lobo superviviente al mayor campo de concentración y exterminio nazi: Auschwitz; y Max, amigo y víctima, confinando a una silla de ruedas es también un judío que perdió todo en aquel sitio. Cuando la esposa de Zev muere juntos ponen en marcha el plan que en algún momento juraron cumplir: dar caza al nazi que destrozó sus vidas, el Blockführer Otto Wallisch. Cual Leonard de Christopher Nolan en Memento (2000), el nonagenario Zev se lanzará a la búsqueda usando como recordatorio constante, dado el fallo en su memoria, la carta en la que Max escribe lo que está haciendo y el porqué. De E.U.A. a Canadá, una carta, cuatro direcciones y Max coordinando la logística desde el asilo, Zev emprende el viaje más importante de su vida.

Más simple que Ararat (2002) –escrita y dirigida por Egoyan–, nuevamente tenemos en su filmografía un filme versado en el genocidio, en otrora el armenio perpetrado por la autoridad turco-otomana en 1910, aquí el alemán. Uno más conocido que el otro pero ambos un episodio incómodo, oscuro y vergonzoso y no sólo para Alemania. También, al igual que en aquel filme tenemos a Christopher Plummer, muy ad hoc. Fuera de eso las similitudes se acaban. Remember no hace juicios ni análisis morales o históricos, y si bien el contexto es el nazismo, el móvil es una promesa y la fuente que permite echar a andar esa promesa son los recuerdos, los recuerdos de un anciano con alzheimer que ha distorsionado su realidad al grado de olvidar cada mañana que su esposa, el amor de su vida, ha muerto. Por otro lado, Remember tampoco aporta profundidad al tema del alzheimer, por eso mejor hay que verlo como una curiosa película de venganza.

Premiada en el Festival de cine de Venecia, el Mar del Plata y los Premios del cine canadiense; más cercana al telefilme, con una actuación estupenda de Plummer y una música horrorosa. Olvidándonos un poquito de los temas sensibles que maneja, es una película muy entretenida. Pero ten paciencia, tiene escenas (ejemplo: la armería) que hacen imposible cualquier signo de credibilidad (tan imposible como que la tortuga llegué al otro lado).

Para concluir, es una película que abordé con total indiferencia y me sorprendió gratamente, de paso, mencionar que la aparición de Dean Norris (seguro lo recuerdas como Hank en Braking Bad) me encantó.

Frases

Aparte de mí, eres la única persona que todavía puede reconocer el rostro del hombre que asesinó... a nuestras familias

Somos demasiado viejos para mentir

Mi nombre es Zev en hebreo significa lobo

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Actualmente también está disponible en Netflix México. 

The Station

Blutgletscher
Blood Glacier

Director: Marvin Kren

Guionista: Marvin Kren y Benjamin Hessler

País: Austria

Año: 2013
Duración: 93 min. aprox
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Género / Tópico: Terror - Ciencia ficción / Monstruos

Sinopsis: En un centro de investigación climatológica de los Alpes, los científicos se llevan una sorpresa cuando, durante el derretimiento de un glaciar cercano, un líquido rojo sale de él. Rápidamente, la sangre glaciar resulta ser un fluido muy especial - con inesperados efectos genéticos sobre la fauna local. Janek, el técnico, y el resto del equipo deberán defenderse a sí mismos y al centro de las monstruosidades que merodean por los alrededores.


Reparto / Personajes

Gerhard Liebmann es Janek
Edita Malovcic es Tanja
Santos es Tinnitus
Hille Beseler es Birte
Peter Knaack es Falk
Felix Römer es Harald
Brigitte Kren es la ministra Bodicek


NOTA: 7 / 10
(Revisar escala)


Segundo largometraje de Marvin Kren, quien debutaba en el 2010 con Rammbock: Siege Of The Dead, una interesante y claustrofóbica película de zombies de apenas 1 hora, centrada en sus personajes antes que en la violencia zombi (de hecho aquí nadie mata a un sólo zombi); y director del segmento R is for Roulette en el ABC de la muerte 2 (de lo mejor de la antología considerando su irregularidad).

Blutgletscher es un filme de Ciencia Ficción/Monstruos, amorfo y poco original, tal vez varado en sus intenciones. Porque un discurso acerca de los peligros del cambio climático no es, tampoco una comedia de terror (aunque a veces se nos salgan las risas) y mucho menos un drama… pero nada de esto importa, lo que sí es, es una película de serie B que homenajea desfachatadamente a The Thing (1982) de John Carpenter. ¿Eso es bueno o malo? Seguro dependerá de tú estado de ánimo, a mí me pareció estupenda. Desde el hecho incómodo de tomarse a sí misma demasiado en serio, la terrible, malísima calidad de los monstruos en CGI, y lo ridículamente bizarra y enferma (el final…) que es. La disfruté mucho, y me atrevo a pensar que si tienes guardado en algún sitio en tu corazón el filme de Carpenter apreciarás la nostalgia que transmite. Y no, no esperes un filme repleto de acción coronado por un destripadero… el asunto va más templando, Kren es muy moderado en cuanto a la violencia.

A diferencia de The Thing en Blood Glacier (de aquí el título) la humanidad no se enfrenta a una criatura del espacio exterior, lo cual no es descartable, sino a un microorganismo proveniente del deshiele de los glaciares, haciendo su aparición un día cualquiera ante el asombro de Janek (un hombre ordinario y práctico) y el equipo de científicos con quienes trabaja en La Estación: el glaciar exuda sangre. Éste hallazgo no será sino el comienzo de una serie de horripilantes eventos, al parecer el microorganismo recién descubierto tiene la habilidad de decodificar su genética en base a la materia orgánica a su alcance, generando monstruosas mutaciones. Con ello, el acoso de aquellos engendros y el comienzo de una lucha por la supervivencia.

La similitud con la película de culto de Carpenter es palpable, pero aunque su premisa sea prácticamente la misma Blood Glacier consigue crear su propia historia, y ofrecernos momentos épicos y cómicamente aberrantes. Así mismo, maneja un abanico de personajes más amplio, tópicos pero que con el tiempo terminas aprobando.

 Un filme que logra superar su discreto presupuesto, aprovechando el hermoso paisaje de la cordillera de los Alpes en Tirol, Austria. La banda sonora típica del Serie B de los ochentas es genial y la actuación si bien no relevante (obvio), aceptable, como dato, la ruda ministra es interpretada por la madre de Marvin Kren.

Otro par de títulos que me recordó Blood Glacier son Evolution (2001) de Ivan Reitman, y el episodio Ice de la primera temporada de los X-Files, donde Mulder y Scully acompañan a un equipo de científicos a investigar un organismo/parásito hallado en los hielos del ártico.

Para su descarga por torrent click acá (yo use el magnet de nombre Blutgletscher 2013 BluRay 1080p 10bit 5.1 GER x265 HEVC-Qman[UTR] de 1.83GB).
Para ver online desde gnula, click aquí.

Blood Tea and Red String

Directora: Christiane Cegavske
Guionista: Christiane Cegavske
País: E.U.A.
Año: 2006
Duración: 70 min. aprox.
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Género / Tópico: Animación - Fantástico / Surrealismo - Cine independiente USA - Stop Motion

Sinopsis: Un grupo de alimañas ganchudas y peludas que habitan en el interior de una encina crean una muñeca que emula la figura de una bella mujer. En la matriz de su andrógena creación introducen un huevo y la custodian fascinados al cobijo del interior del árbol. Mientras duermen, un grupo de ratones de campo con los ojos encendidos toman la muñeca y se la llevan con ellos. Las alimañas se embarcan entonces en una aventura rayana a la alucinación para rescatar el precioso tesoro. Aclamada película en animación stop-motion que se tardó 13 años en realizar.

NOTA: 7.5 / 10
(Revisar escala)

Aunque existe una diversidad de técnicas de animación, las dominantes son: el dibujo animado tradicional, el bidimensional, el modelado 3D por computadora y… ¡claro!, el stop-motion… Me parece que en estos días en donde las imágenes generadas por computadora en alta definición controlan las pantallas, es que muchos encontramos un aire fresco y con aroma artesanal en el dibujo tradicional y el stop-motion. Con deficiencias pero gracias a su técnica, a su arte, Blood Tea and Red String es una historia hipnótica, increíblemente psicodélica, y con un algo de macabro (¿los chillidos de las ratas y su despotismo aristócrata?).  

Christiane Cegavske es una animadora estadounidense muy apegada a las manualidades desde su infancia, un gusto que fortaleció en la Escuela de Arte de San Francisco. Probablemente (haciendo las cuentas) es al finalizar su carrera que comienza la producción de Blood Tea and Red String, su primer y único largometraje, el cual le demoró 13 años. El stop motion es un trabajo difícil, más cuando estás solo (el caso de Christiane), comenta, la sola animación le llevo 4 años. A excepción de la música y el sonido (crédito de Mark Groden) todo viene de ella. Anteriormente había trabajado en la serie X-Chromosome y en la película de Asia Argento The Heart Is Deceitful Above All Things (2004).

Éste, su “cuento de hadas para adultos” (como a Christiane le gusta llamarle) es una oscura y bizarra mixtura entre Blancanieves y los siete enanos, y la hora del té de Alicia en el país de las maravillas, que nos narra sin diálogos la odisea de unas curiosas bestezuelas (más humildes e infantiles que su contraparte las ratas) por recuperar el bello objeto de deseo, rescatar aquel fetiche, su princesa, de las manos de unas sádicas ratas bebedoras de sangre y jugadoras de cartas. Una aventura que llevará a nuestros valientes protagonistas a atravesar ríos, extraños y psicotrópicos jardines, y estepas “reinadas” por una araña. 

Blood Tea and Red String es una version extendida de su cortometraje Blood and Sunflowers (2000), intrigante pero breve e insulso. Aquí aunque “falla” a la hora de medir los tiempos, ¿quizá sea su intención?, no acortando algunas acciones (acciones comunes: comer, caminar), y con esto haciendo que su filme parezca más largo de lo que es (¡eso es malo!, una película debe de pasarse volando, hacernos olvidar el tiempo), posee una atmósfera exquisita, que nos ayuda a distraernos en sus detalles. No es tan sólida como me gustaría pero es una bonita rareza a ver, que a ratos me recordó a Alice de Svankmajer, pero con un gesto más “gótico” y femenino. 

Ésta es la primera parte de una trilogía, su segundo filme se titulará Seed in the Sand (inspirado en el mismo universo que Blood Tea...) y se espera para el 2022, ¡una pena!, muchos años… así pasa cuando no hay $$$. En su sitio vende unos dijes para ir financiando el proyecto. Por cierto, a diferencia de Blood tea… que es filmado en formato de 16mm (se percibe en el grano y las variaciones de luz) en esta ocasión usará una cámara digital. 

Si quieres checar una entrevista donde nos cuenta acerca de las figuras que le han inspirado en su carrera, el proceso de producción de cada personaje, y sus proyectos, click acá.

Para el sitio de Seed in the Sand aquí.

Para su descarga checa este torrent o la puedes ver online en youtube.